Connu pour ses énormes sculptures en métal et ses peintures aux couleurs vives de formes humaines et animales robustes, l’artiste colombien Fernando Botero (né en 1932) était l’un des artistes modernes les plus populaires.
L’histoire de Fernando Botero
Fernando Botero est né à Medellin, dans les Andes colombiennes, le 19 avril 1932. Ses parents, David et Flora Angulo de Botero, avaient été élevés dans les hautes terres reculées des Andes. Son père, un vendeur ambulant qui se rendait à cheval dans les quartiers périphériques de la ville, est mort lorsque Botero avait quatre ans, et sa mère a subvenu aux besoins de la famille en tant que couturière.
Deuxième de trois garçons, Botero a fréquenté un lycée jésuite grâce à une bourse d’études dès l’âge de 12 ans. Son oncle l’a également inscrit à l’école de matador, qu’il a fréquentée pendant deux ans. Les images de ses premiers dessins proviennent du monde de la tauromachie (une aquarelle d’un matador est sa première œuvre connue). Jusqu’à ce qu’il découvre un livre d’art moderne à l’âge de 15 ans, il “ne savait même pas que cette chose appelée art existait”, dit-il.
En 1948, Botero a décidé qu’il voulait devenir artiste et a d’abord exposé ses œuvres dans une exposition commune dans sa ville natale. Il a commencé à travailler pour El Colombiano, le principal journal de Medellin, en illustrant le magazine du dimanche. À cette époque, une période de troubles civils commence en Colombie, où la tolérance pour le non-conformisme et le radicalisme est faible. Certains professeurs de Botero ont commencé à désapprouver son travail et il a reçu plusieurs avertissements concernant la nudité dans les illustrations de son journal. En réponse, il a publié un article intitulé “Picasso et le non-conformisme dans l’art” et a ensuite été expulsé de l’école. Il termine ses études secondaires au Liceo de la Universidad de Antioquia à Medellin, dont il sort diplômé en 1950, et continue à publier des articles sur l’art moderne.
Il a rejoint l’Avant Garde
Botero a travaillé pendant deux mois pour une troupe de théâtre itinérante en tant que scénographe, puis il s’est installé à Bogota, où il a rencontré des intellectuels et des artistes d’avant-garde et a été influencé par le travail de muralistes mexicains tels que Diego Rivera, Josè Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros. Les grandes aquarelles de Botero, comme celle de Donna Che Piange (La femme qui pleure) de 1949, datent de cette période. En 1951, il a organisé sa première exposition personnelle – composée de 25 huiles, dessins, aquarelles et gouaches – aux Galerias de Arte Foto-Estudio Leo Matiz. Toutes les pièces ont été vendues, et il a pris les bénéfices de l’exposition et s’est installé dans une petite ville côtière pour travailler.
En 1952, il retourne à Bogota et monte sa deuxième exposition, qui lui rapporte 7 000 pesos. Il a gagné 7 000 pesos supplémentaires lorsque son tableau Sulla Costa (Sur la côte) de 1952 a obtenu la deuxième place du IXe Salon annuel des artistes colombiens, parrainé par la Bibliothèque nationale de Bogota. Il a utilisé ces fonds pour s’installer en Europe et étudier l’art. Il passe un an à Madrid, s’inscrit à l’Académie San Ferdinando et gagne sa vie en copiant des tableaux de Francisco de Goya, Titien, Diego Velasquez et Tintoretto et en les vendant aux touristes. De là, il s’est installé à Paris, où il a passé un été à étudier les vieux maîtres au Louvre. De 1953 à 1954, il vit en Italie et fréquente l’Académie San Marco de Florence, où il étudie les techniques de la fresque et copie des œuvres d’Andrea del Castagno et de Giotto, en plus de créer ses propres peintures à l’huile. Il étudie avec Roberto Longhi, qui stimule encore son enthousiasme pour la Renaissance italienne.
Développement d’un style distinctif
En 1955, il revient à Bogota avec ses nouvelles peintures, dont 20 sont exposées à la Bibliothèque nationale. Son travail a été sévèrement critiqué parce qu’il n’avait pas de style propre. Peu de peintures se sont vendues et Botero a été contraint de travailler dans des emplois non artistiques. Il a notamment tenté de vendre des pneus d’automobile et a occupé un poste de maquettiste dans un magazine. À la fin de l’année, Botero épouse Gloria Zea et ils déménagent à Mexico, où leur fils, Fernando, est né.
C’est à Mexico que Botero commence à développer son propre style. En 1956, alors qu’il travaille sur une peinture intitulée Still Life with Violin, il a une révélation qui va changer son art. Alors qu’il esquissait une mandoline, il a placé un petit point à l’endroit où aurait dû se trouver un trou de son plus grand, ce qui a donné à la mandoline l’impression soudaine d’être énorme. Il commença à expérimenter la taille et les proportions dans son travail et finit par développer son style caractéristique. Les personnes et les objets de ses tableaux étaient gonflés, ce qui leur donnait de la présence, du poids et une sensualité ronde. Ce style, combiné à la planéité de ses peintures d’influence latino-américaine, aux couleurs vives et aux formes audacieusement dessinées, a fait de lui l’un des artistes les plus reconnaissables du XXe siècle.
Une reconnaissance mondiale
L’art de Botero a commencé à être reconnu en dehors de l’Amérique latine. En 1957, il se rend à New York, où le mouvement expressionniste abstrait est florissant. Au cours de ce voyage, il vend la plupart des tableaux qu’il expose à l’Union panaméricaine à Washington, D.C. Il retourne à Bogota en 1958, et sa fille, Lina, naît. Il devient professeur de peinture à l’Académie des arts de Bogota, poste qu’il occupe pendant deux ans. À cette époque, il était déjà reconnu comme l’un des artistes les plus prometteurs du pays.
Il a conçu une partie des illustrations de La Siesta del Martes de l’écrivain Gabriel Garcia Marquez, et l’œuvre a également été publiée dans un important quotidien colombien, El Tiempo. Au milieu d’une certaine controverse, son tableau Camera degli Sposi (La chambre de la mariée) a remporté le premier prix du salon colombien de cette année-là et a été exposé la même année à la Gres Gallery de Washington, D.C. Le salon de Washington a connu un énorme succès, la quasi-totalité de ses œuvres ayant été vendues dès le premier jour. Son travail a également été présenté lors de l’exposition du Guggenheim International Award de 1958 à New York.
En 1959, après avoir été davantage exposé à l’expressionnisme abstrait aux États-Unis et après une phase de tumulte personnel au cours de laquelle son mariage se dissout, le style de Botero commence à changer. Il commence à peindre sur une palette monochrome et à utiliser des coups de pinceau plus lâches. Son El Nino de Vallecas, peint dans ce style, n’est pas aussi populaire que ses autres œuvres lors d’une troisième exposition à Washington en octobre 1960. Son fils, Juan Carlos, est né cette année-là, et Botero a été nommé pour représenter la Colombie à la IIe exposition biennale de Mexico.
En 1960, Botero s’installe à Greenwich Village, à New York, et commence à travailler à un rythme effréné. Son œuvre, qui célèbre le volume et la volupté, reçoit un accueil généralement tiède de la part des Américains à une époque où la planéité est à la mode, même si en 1961, le Musée d’art moderne achète sa toile Monna Lisa all’età di Dodici Anni (Mona Lisa, 12 ans). Malgré la réaction tiède, il a continué à peindre des œuvres qui étaient en dehors du courant dominant. Son exposition de 1962 à la Contemporaries Gallery de New York a été sévèrement attaquée, dans ce que Botero a ressenti comme une attitude personnelle. En 1964, il se marie une seconde fois avec Cecilia Zambrano.
Botero devient fasciné par l’art du maître flamand Rubens et crée un certain nombre de tableaux inspirés par lui. En 1965, sa peinture avait acquis une plus grande sophistication. Il commence à se concentrer sur les formes plutôt que sur les coups de pinceau individuels, et les surfaces des objets apparaissent presque sculpturales. Ses figures utilisent des tons subtils et sont à la fois monumentales et plastiques. Il commence à appliquer de fines glaçures de couleur pastel sur ses toiles.
En 1966, l’œuvre de Botero a fait l’objet de sa première exposition européenne à Baden-Baden, en Allemagne. Il avait commencé à recevoir une plus grande reconnaissance américaine, mais il a tout de suite senti qu’il était plus en phase avec la sensibilité européenne. De 1966 à 1975, il partage son temps entre l’Europe, New York et la Colombie. Lors d’une visite en Allemagne, il s’est entiché de l’œuvre d’Albrecht Dürer, ce qui l’a inspiré pour créer une série de grands dessins au fusain, “Dureroboteros”, imitant les célèbres peintures de l’artiste allemand. Il a également peint des œuvres dans lesquelles il a interprété les styles de Manet et de Bonnard. En 1969, il a monté sa première exposition à Paris et était devenu un membre à part entière de l’avant-garde européenne au début des années 1970. Son troisième fils, Pedro, est né à New York en 1970.
Au cours de cette période, la peinture de Botero a dépassé le stade des formes sensuelles, sculpturales et latines pour devenir plus dure et plus étincelante, avec une obscurité sous-jacente. Un exemple de cette période est la Guerre, avec ses images de cadavres. En 1973, il quitte New York pour Paris et commence à sculpter. Son fils, Pedro, est tué dans un accident de voiture dans lequel l’artiste est également gravement blessé, perdant un doigt et un mouvement de son bras droit. Botero avait peint son fils à plusieurs reprises et a continué à le faire après la mort du garçon, le travaillant dans diverses peintures. Trois ans après la mort de son fils, il a dédié à sa mémoire une série de galeries situées dans le musée d’art de Medellin. Lui et sa deuxième femme se sont séparés en 1975.
Sculpture et politique
Botero s’est consacré à la sculpture de 1975 à 1977, mettant sa peinture temporairement en veilleuse. Il a créé 25 sculptures en métal à partir d’esquisses. Les sujets étaient d’énormes animaux (dont des taureaux), des torses humains, des femmes allongées et des objets massifs, dont une gigantesque cafetière. Sa sculpture a été exposée à la Foire de Paris en 1977, année où il a également recommencé à peindre (il a rendu hommage à Vélasquez dans des tableaux représentant les Infantas – princesses espagnoles ou portugaises). Ses œuvres continuent d’être exposées dans des galeries du monde entier. En 1983, il a créé un atelier dans une région de Toscane réputée pour son travail des métaux, ce qui lui a permis de passer plusieurs mois chaque année à créer ses sculptures de plus en plus grandes, qui pesaient en moyenne 3 000 livres. Il a également revisité la tauromachie comme sujet de sa peinture, aspirant à devenir l’artiste définitif sur ce sujet.
Botero s’est inquiété du fait que sa ville natale, Medellin, était associée au cartel du trafic de drogue dirigé par le baron de la drogue colombien Pablo Escobar. On dit que Botero était furieux que deux de ses tableaux aient été découverts dans la maison d’Escobar après que le baron de la drogue ait été tué en 1993. Malgré la mort d’Escobar, la violence a continué à Medellin, et Botero a été la cible d’un kidnapping raté en 1994.
En 1995, un groupe de guérilla a fait exploser une sculpture d’une colombe, The Bird, que Bonero avait donnée à la ville. L’explosion a eu lieu pendant un festival de rue au centre-ville, et 23 personnes ont été tuées tandis que 200 autres ont été blessées. En assumant la responsabilité de l’explosion, les guérilleros ont qualifié Botero de symbole de l’oppression. Botero a lancé une nouvelle colombe pour la place, mais a insisté pour que les restes de l’original restent afin que les sculptures puissent représenter la paix et la violence.
En 1996, le fils de Botero, Fernando, a été condamné pour avoir accepté l’argent de la drogue afin de financer la campagne de l’ancien président colombien Ernesto Samper. Botero n’a pas parlé à son fils pendant trois ans, mais ils se sont réconciliés par la suite. En 2000, Botero a commencé à exposer des peintures qui reflètent la violence en Colombie – des images de massacres, de torture et d’attentats à la voiture piégée, ainsi qu’une peinture représentant le meurtre d’Escobar – ce qui s’écarte nettement de son style domestique habituel. Dans un article publié en 2001 dans le Christian Science Monitor, Botero a déclaré : “L’art devrait être une oasis, un… refuge contre la dureté de la vie. Mais le drame colombien est tellement disproportionné qu’aujourd’hui on ne peut pas ignorer la violence, les milliers de personnes déplacées et de morts, les cortèges de cercueils”.
Donations aux musées colombiens
En 2000, Botero a fait don d’œuvres d’art évaluées à 200 millions de dollars à deux musées colombiens, le Musée d’Antioquia rénové à Medellin et l’aile culturelle de la Banque de la République à Bogota. Le site de Medellin comprend une zone qui a été rasée pour créer un jardin de sculptures, tandis que le don de Bogota est logé dans une galerie de 12 pièces préparée pour la collection. La donation de Botero comprenait des dizaines de ses propres peintures et sculptures, ainsi que quelque 90 pièces de sa collection privée, dont 14 peintures impressionnistes (dont des huiles de Monet, Renoir, Degas et Pissarro), quatre Picasso et des œuvres de Dali, Miro, Chagall, Ernst, de Kooning, Klimt, Rauschenberg, Giacometti et Calder.
Botero a estimé qu’au milieu des années 1990, il avait créé 1 000 peintures et 100 sculptures. Son travail était devenu très populaire dans les années 1980 et avait rapporté des sommes importantes. En 1992, une scène de bordel s’est vendue aux enchères pour 1,5 million de dollars. Ses toiles au crayon et à l’aquarelle ont repris ses thèmes familiers – des images de personnes dans le style portrait, des scènes de bordel, des nus et des natures mortes. Il s’est marié pour la troisième fois avec la sculptrice grecque Sophia Vari et a partagé son temps entre Paris, New York, l’Italie et la Colombie.
En janvier 2002, l’ambassadeur de France en Colombie a intronisé Botero dans la Légion d’honneur. Botero en a été honoré car la France avait apporté son aide pour favoriser la paix entre le gouvernement colombien et la guérilla des Forces armées révolutionnaires de Colombie (FARC).